Ce Music-Hall onirique raconte le voyage nocturne de deux secrétaires en quête de l’âme soeur et de l’homme idéal… Au petit matin, il faut se rendre à l’évidence : le Prince charmant n’existe pas. C’est à l’amour de rendre le voisin de bureau prince et charmant !

Avec sa verve poétique et sa fantaisie jubilatoire, René de Obaldia est lui-même un fantasme, un ovni littéraire, un « académicien encore vert » , inventeur de « la littérature du plus léger que l’air » .

Deux sœurs jumelles, un serveur chaotique, un cuisinier apathique, un cousin alsacien, une jeune fille irresponsable, un frère qu’on n’attendait pas et bien d’autres personnages pittoresques s’étripent joyeusement dans l’affolement des préparatifs ou dans les vapeurs d’alcool d’un vin rouge, un peu vert. Un vent de folie furieuse souffle dans la petite ville bretonne où s’accumulent les catastrophes d’un mariage pas comme les autres.

Le grand succès du Théâtre Daunou en 2000 !

mythe du comte DRACULA pour en faire le personnage principal de son nouveau spectacle musical “DRACULA, L’AMOUR PLUS FORT QUE LA MORT”.

Sur des chansons originales, le spectacle met en avant l’histoire de l’amour impossible de Dracula, en quête d’un idéal, tiraillé entre passion et raison.

Tout en s’appuyant sur la personnalité complexe du héros de Bram Stoker, à la fois énigmatique et mélancolique, Kamel Ouali présente dans ce spectacle un vampire troublant mais attachant, au destin solitaire, brave et sensible, loin d’une créature terrible et sanguinaire.

La troupe de chanteurs comédiens et danseurs évoluera dans un univers onirique, tantôt obscur, tantôt ludique. Les décors et costumes mêleront modernité et réminiscences baroques. Kamel Ouali promet de rester fidèle à sa conception du grand spectacle musical et d’innover par un travail sur les images et les lumières encore jamais proposées à ce jour, pour surprendre, et même renouveler le genre.

Un fabuleux spectacle accompagné par le grand orchestre et les Salto Dancers du Cirque d’Hiver Bouglione.

Fertile en rebondissements, l’intrigue, qui mêle le pouvoir ravageur de l’argent et le jeu subtil des sentiments, met en scène deux hommes et deux femmes ballotés entre leur éthique, leurs intérêts et leurs émotions. Tout le monde a quelque chose à revendiquer. Tout le monde a quelque chose à cacher. Tenté par la transgression mais soucieux du qu’en dira-t-on, chacun se débat avec ses raisons. Bonnes et mauvaises, petites et grandes, morales et obscures.

Une comédie fine et piquante qui est en équilibre entre gravité, légèreté et vivacité.

Hugues Le Tanneur

Il est également connu pour sa dextérité et sa maîtrise de la musique classique, de la musique de cinéma indien et de la musique Pendjabi. Il a été officiellement honoré du Padmashri (équivalent de la légion d’Honneur, en Inde) , tout comme l’artiste Jagjit Singh.

Eh bien, tout va exploser ! Et les situations, les quiproquos qui vont en découler seront totalement rocambolesques et déjantés. Le subterfuge qu’emploie Mathilde pour récupérer son mari va lui revenir en pleine figure et lui faire découvrir qu’autour d’elle, tout le monde trompe tout le monde… Avec tout le monde !

Dans ce nouveau spectacle, le metteur en scène d’origine argentine Rodrigo García revient sur ses souvenirs d’enfance. Le titre donne le rythme, celui des temps de cuisson du steak. Mais Bleue. Saignante. À point. Carbonisée. est une façon de revisiter l’expression populaire argentine peu connue de “La murga”, ce carnaval auquel les “murgueros” – ses participants issus des quartiers défavorisés – se consacrent toute l’année, à travers des préparatifs minutieux qui vont des costumes aux répétitions. Rodrigo García se souvient de sa fascination d’enfant pour l’aspect festif de la manifestation, avec ses danses élémentaires, sa musique de rue, où percussions et couleurs incitent aux excès. Aujourd’hui, il s’attache à mettre en relief ce qui se cache derrière cette célébration : une forme de protestation, une problématique sociale qui semble toujours sans issue.
Pour la première fois, le metteur en scène, accompagné de son acteur complice de longue date, Juan Loriente, intègre à son spectacle une quinzaine de “murgueros”, musiciens et danseurs de carnaval. À partir de cette inconnue “de la rencontre avec des gens qui n’ont jamais fait de théâtre, ne parlent pas le même langage”, le désir est de créer une autre forme de fiction, de casser les habitudes et de chercher ensemble un autre univers. Écrire le texte à partir de ces échanges et intégrer des images filmées à Buenos Aires qui relaient les mots font partie du processus de création jusqu’à l’aboutissement d’une autre vision, d’un nouvel attentat poétique.

Documentaire : Le partage de midi – 30 minutes – référence : 292

Captation pour mémoire : « Un mage en été » – 90 minutes – Festival d’Avignon 2010

Documentaire : « Cadiot-Lagarde : les jeux de mots » – 31′ – référence : 353

Captation :

« Le chevalier de Saint-George » – 73 minutes – référence : 11

Documentaire :

« Bartabas, à la rencontre de Saint-George » – 52 minutes – référence : 116

Captation :

Battuta – 1h30 – référence : 187

Mais pour la première fois, après Le Chevalier de Saint Georges et Voyage au Indes Galantes, le thème du spectacle n’est pas lié à la cour du roi de France.

Dans Les Juments de La Nuit, Bartabas a imaginé un univers décalé dans ce lieu, plus proche de celui des spectacles de Zingaro.

Il a cette fois puisé son inspiration dans le cinéma : la version de Macbeth réalisée par Orson Welles, et la transposition de la pièce de Shakespeare dans le Japon des seigneurs de la guerre du Château de l’Araignée, par Akira Kurosawa.

Les Juments de la Nuit s’annonce comme une série de poèmes visuels épiques et baroques, mettant en scène les songes de Lady Macbeth, et faisant fusionner deux lieux et deux époques : l’Ecosse du XIème siècle et le Japon du XVIème.

Une fusion de couleurs aussi, mêlant chevaux « crème », argentins ou lusitaniens.

Une fusion de talents, enfin, réunissant danseurs, écuyers de l’Académie et voltigeurs de Zingaro.

Captation :

Les juments de la nuit – 65 minutes – référence : 309

Résumé :

Lucien, rentré tard du bal des quat’z'arts réveille sa femme Yvonne, qui commence à  lui faire une scène. La tempête passée, un valet de chambre sonne à la porte, au  moment où les deux époux se couchent. Le messager est porteur d’une bien terrible  nouvelle : la mère de Madame est morte. Alors que tout le monde s’active pour se rendre chez la mère de Madame, le couple apprend que le valet vient de commettre une horrible méprise : il s’est trompé de personnes, c’est la mère des voisins qui est morte ! Le valet est vivement chassé et les deux époux repartent de plus belle dans une scène de ménage…

Résumé

Monsieur Follavoine cherche à décrocher le marché des pots de chambre incassables à destination de l’armée française. Pour tenter de conclure l’affaire, il invite à dîner Chouilloux, fonctionnaire influant du ministère des armées, son épouse et l’amant de celle-ci. Mais ce jour-là, le fils Follavoine est constipé et ne veut pas prendre sa purge… et rien ne se passe comme prévu.

Résumé

Un couple se dispute. Pourquoi ? Parce que Madame de Ventroux s’est promenée une fois de plus en chemise de nuit devant son fils de 13 ans, ce qui ne sied guère aux moeurs de Monsieur. Il semble qu’en effet Madame soit, de manière générale, dénuée de pudeur et peu gênée de ne pas respecter les convenances en se montrant relativement dénudée devant son fils ou Victor, leur serviteur, ce qui contrarie Monsieur, député et soucieux de sa réputation.

La caméra de Wannes Peremean nous plonge au cœur de ces somptueuses sculptures réalisées en marbre de Carrare. En outre, le réalisateur fait témoigner de nombreux intervenants proches de l’artiste et de son œuvre.

Wannes Peremans nous entraine dans les dédales de cette exposition et fait témoigner  de nombreux proches de l’artiste.

Documentaire version courte :

« Indes Galantes, les Coulisses » – 26 minutes – référence : 192

Captation :

« Voyage aux Indes Galantes » – 90 minutes – référence : 191

Documentaire version longue :

« Voyage aux Indes Galantes, Des coulisses à la scène » – 51 minutes – référence : 190

Captation :

« Voyage aux Indes Galantes » – 90 minutes – référence : 191

Une plongée rythmée et inattendue dans le Festival Off 2011 !

Romain célibataire et hétéro a fait passer une annonce pour trouver une mère porteuse et Estelle y a répondu favorablement. Aujourd’hui ils se rencontrent pour la 1ere fois mais leur entretien va être troublé par l’arrivée inopinée de 2 amis de Romain : Ace et Édouard.

Les quiproquos et les malentendus vont s’enchainer, emportant le spectateur dans une « cascade de rires » (L’Est Républicain), en se jouant « avec délectation des rapports Homme-Femme, dans une mise en scène rondement ficelée, sportive et très rock’n’roll ! » (Vaucluse Matin). Au final, Estelle acceptera-t-elle de porter cet enfant que Romain désire tant?

A la fois pour le plaisir et pour tester devant un public connaisseur diverses nouveautés, il propose au Palace son spectcale explosif “Réalité ou illusion?”. Oui ça va bouger, ça va délirer,… mais CALMEZ VOUS !!!

L’occasion de faire la lumière sur cet auteur trop méconnu qui, en seulement deux pièces, toutes deux censurées par le régime stalinien, aura marqué l’histoire du théâtre russe.

Une partie de campagne estivale, ponctuée de sujets inhérents aux préparatifs de la pièce, de réflexions des artistes et des techniciens, de scènes de travail, de témoignages et d’images d’archives. Une répétition à ciel ouvert, vive et chaleureuse que menacent pourtant les nuages de l’ordre et du contrôle de certains régimes d’hier et d’aujourd’hui, peu favorables à la liberté d’expression.

En pleine préparation de son prochain spectacle « Enfant », joué cet été dans la cours d’honneur, c’est parfois seul face à son « œuvre », parfois entouré d’une trentaine d’enfants et de danseurs sur fond de grues et de machines, que Boris Charmatz revient sur sa fulgurante carrière.

Un film à l’image de son sujet, riche, conceptuel, provocateur.

Interviews, séances de travail, images d’archives, improvisations, autant de séquences qui nous dévoilent  un artiste un brin charmeur, un brin malicieux, mais avant tout très généreux.

« Sous le vernis d’une comédie pétillante, la pièce de Guitry livre une analyse fine de la société contemporaine, et décortique avec humour et acuité rapports de classe, jeux politiques et vilains travers du pouvoir. La partie de cache-cache est servie par une mise en scène enlevée et des interprètes truculents. Jean-Philippe Puymartin en notable de la Quatrième, Jean-Christophe Barc en goujat exemplaire, Nathalie Krebs en épouse délaissée, bourgeoise sourde et cleptomane – la scène du dîner est littéralement tordante. Et surtout Robin Renucci. Valet de cœur et gentleman aux petits soins, il va, court, s’affole, brûle, se réfrène. D’un bout à l’autre, il est drôlissime et diablement séduisant. Comment ne pas succomber ? » Première.fr

Benoît retrouve dans son coffre à jouets une liste de choses qu’il s’était promis de faire avant ses 30 ans. Problème: il a 30 ans demain ! Entre sa soeur coincée, sa meilleure amie alcoolique mondaine assumée et un invité surprise, il va passer une soirée d’anniversaire explosive et pleine d’ivresse au milieu de ses secrets et souvenirs d’adolescent. Juste une mise au point pour pouvoir enfin grandir ?

Membres du Théâtre des Lucioles, Élise Vigier et Marcial Di Fonzo Bo abordent pour la quatrième fois un de ses textes (après La Connerie et La Paranoïa au Théâtre national de Chaillot en 2008 et 2009). Forts de ce long compagnonnage, et entourés d’une équipe d’acteurs et de créateurs fidèles aux projets précédents, ils plongent dans cette oeuvre « hybride, métisse, excessive, irrégulière ».

La pièce se passe près de Valencia en Espagne, fin mars 1939, dans la maison du commissaire de la ville. Le spectateur assiste en temps réel à une succession d’événements déroulés à chaque acte d’un point de vue différent. Cette construction particulière fait avancer la pièce à la manière d’un roman policier et déploie une multitude de lectures possibles : le texte questionne la guerre d’Espagne et par ce biais la frontière parfois étroite entre fascisme et démocratie. Il démontre comment la création d’une nouvelle langue, au nom d’une utopie humaniste, peut dégénérer en langage totalitaire. Et il pose aussi « le langage » comme lien entre les hommes, comme « bien commun ». La pièce est d’ailleurs jouée en français, en espagnol et en valencien.

L’Entêtement est la dernière pièce de l’heptalogie inspirée par le tableau La Roue des sept péchés capitaux de Jérôme Bosch (1475), à Rafael Spregelburd. À la fois auteur, metteur en scène, comédien, traducteur et pédagogue, il est l’un des plus brillants représentants d’une nouvelle génération de dramaturges argentins, qui a commencé à écrire dans les années du retour à la démocratie.

Membres du Théâtre des Lucioles, Élise Vigier et Marcial Di Fonzo Bo abordent pour la quatrième fois un de ses textes (après La Connerie et La Paranoïa au Théâtre national de Chaillot en 2008 et 2009). Forts de ce long compagnonnage, et entourés d’une équipe d’acteurs et de créateurs fidèles aux projets précédents, ils plongent dans cette oeuvre « hybride, métisse, excessive, irrégulière ».

La pièce se passe près de Valencia en Espagne, fin mars 1939, dans la maison du commissaire de la ville. Le spectateur assiste en temps réel à une succession d’événements déroulés à chaque acte d’un point de vue différent. Cette construction particulière fait avancer la pièce à la manière d’un roman policier et déploie une multitude de lectures possibles : le texte questionne la guerre d’Espagne et par ce biais la frontière parfois étroite entre fascisme et démocratie. Il démontre comment la création d’une nouvelle langue, au nom d’une utopie humaniste, peut dégénérer en langage totalitaire. Et il pose aussi « le langage » comme lien entre les hommes, comme « bien commun ». La pièce est d’ailleurs jouée en français, en espagnol et en valencien.

La vie de Sémione Podsékalnikov prend un drôle cheap cialis de tour quand sa femme le surprend en train d’engloutir un saucisson… qu’elle prend à tort pour un revolver. La rumeur de sa pseudo-tentative de suicide se répand alors plus vite qu’un verre de vodka avalé cul sec. Le quiproquo est total, chacun essayant de dissuader, puis finalement d’encourager – pour la bonne cause – le pauvre Sémione au suicide. Il devient alors un futur héros de l’intelligentsia, condamné à mort par lui-même.

Le texte de Erdman est une formidable pièce pour les acteurs, une farce noire pleine de force de vie et d’humour. Songer que cette oeuvre, écrite en pleine ère stalinienne, a été interdite jusqu’en 1987 donne la mesure de sa portée subversive. Une comédie loufoque et mordante servie par des acteurs de premier ordre : Anne Alvaro, Hervé Briaux, Sylvie Orcier et Patrick Pineau en tête.

Dans cette pièce tout semble se passer à la fois en l’espace de quelques heures pendant une nuit d’été et dans un temps qui échappe à toute mesure objective. Au-dehors la fête. Au-dedans, c’est d’abord le vin qui coule et la tension qui monte entre la jeune maîtresse et celui qu’elle remeron trouble.

Frédéric Fisbach n’a pas oublié que Strindberg lui-même disait de sa pièce qu’elle est un « combat entre cerveaux », une sorte de long assassinat psychique. Il fallait inventer pour ce « meurtre d’âme » un espace qui rende sensible le fait que la lutte entre ces deux êtres se situe d’abord en eux-mêmes. Ici l’attention est donc portée sur les corps.

Les années passent, Lefebvre devient Maréchal d’Empire, et duc de Dantzig, Catherine, sa femme, devient duchesse. Napoléon, excédé par son manque de distinction dans le grand monde, veut que Lefèbvre divorce. Lefèbvre refuse et la duchesse est convoquée devant l’Empereur. Auparavant, lors d’une réception chez elle, elle remet à leur place les sœurs de Bonaparte en se vantant d’être originaire du bas monde… comme elles l’étaient aussi.

Le décor est celui d’un cossu salon bourgeois. Trois personnages vont s’affronter. La mère, Madame Caquencourt maraboutée par un dandy mondain, Jean-Florent Marnier, et la fille, tous trois rejouent à leur façon une des affaires familiales les plus passionnantes de ces dernières années qui faillit s’achever en tragédie grecque : celle de la famille Bettencourt. Mais la solitude et la vulnérabilité de la vieillesse sont aussi l’autre sujet de Parce que je la vole bien et ce thème n’intéressera pas que les milliardaires !

Toute ressemblance ou similitude avec des personnages existant ou ayant existé n’aurait qu’un seul but : vous faire rire.

Sur cet album, Line interprète les mots écrits sur mesure par les plus grands représentants de la chanson française, des mots qui décrivent son optimisme, son humanité et son insatiable amour de la vie.

C’est avec cheap cialis cette volonté du « tout reste à faire » qui la caractérise tant qu’elle remontera sur scène en 2011 pour des concerts exceptionnels.

Si on demandait à Bartleby le pourquoi de cette lecture publique, il répondrait, impavide : «  Ne voyez-vous pas la raison de vous-même ?  » C’est tout ce que se proposait Melville : voir par soi-même, c’est à dire au plus profond de nous, où gît ce rire qui accompagne, quoi que nous fassions, nos efforts les plus méritoires.

Et puis, toute ma vie, j’ai lu à voix haute. (A voix autre.) Il fallait bien que ça finisse sur la scène d’un théâtre. D’autant plus qu’aujourd’hui j’ai l’âge du narrateur de cette histoire. C’est idiot, mais ça crée des liens. »

Daniel Pennac

A-t-on idée de la quantité de pluie qui peut tomber dans le désert africain ? Grand voyageur devant l’Éternel, arpenteur inlassable de contrées imaginaires, affabulateur inépuisable et géomètre des sables mouvants, Patrick Robine a longuement étudié la question. La pluviométrie désertique est un phénomène qu’il a même expérimenté de très près en explorateur intrépide qui ne craint pas de payer de sa personne. Il a approché notamment le grand hippocampe terrestre de l’Atlas – et l’incarne. Il est recommandé de le croire sur parole car c’est un observateur exceptionnel et, mieux encore, un découvreur.

Sans doute a-t-il eu de la chance. Encore enfant, ses parents l’ont embarqué dans un périple bien loin de nos régions tempérées, de Bamako à Woodstock, de Seattle au Mexique. Ils étaient à la recherche d’un lieu où s’installer définitivement et que son père appelait la ferme des concombres. Il leur fallut pour cela traverser des déserts arrosés de pluies si abondantes que des champignons poussaient partout jusque dans le creux des bosses des chameaux !

Quand il s’est agit de trouver une voix à Richard Brautigan, le choix de Romane Bohringer s’est imposé immédiatement. Outre ses qualités d’actrices, et la beauté de son cœur naïf, encore neuf, toujours prêt au rêve et à l’amour, il se trouve que R. B. est la femme de mes rêves, ma « nana de Babylone », avec qui je partage tous les jours une réalité… De rêve. Il était donc logique que Romane Bohringer soit la lectrice idéale, de mon monde meilleur, de la poésie joyeusement désenchantée et sérieusement dérisoire, de Richard Brautigan.

Philippe Rebbot

Franck Dubosc et Stéphane Rousseau y incarnent deux marins en permission, qui avec la complicité de la fine fleur des humoristes français, vont partir dans un grand voyage au pays du délire. Le tout est mis en histoire et en rythme par l’écriture malicieuse d’Arnaud Gidoin, qui réussit la gageure de respecter l’univers spécifique de chacun, de Florence Foresti à Patrick Timsit en passant par Jonathan Lambert, tout en liant l’ensemble avec un dynamisme et une douce folie irrésistibles.

Une scénographie imposante, avec des décors pivotants s’adaptant à l’ambiance voulue pour chacune des séquences, et un travail spécialement soigné sur la lumière, donnent à ce spectacle un vrai parfum de Broadway.

Après un immense succès à Nantes (du 3 au 10 avril 2009) et à Montréal (du 3 au 26 juillet 2009), ils prennent aujourd’hui leur « Permission » à Paris, au Zénith du 23 au 26 septembre 2009.

Elles aiment le plaisir et les médicaments, le gras et le sucré, le mojito et la vodka pomme, les petits canards et les vrais diamants mais surtout elles sont drôles !

Résumé :

Au coeur de l’été et de ses vacances au bord de la mer, Léonie est sur le point d’accoucher avec un mois d’avance. Les mauvaises langues se délient, les règlements de compte et les mesquineries entre beaux-parents et gendre vont bon train, l’arrivée d’une sage-femme tyrannique finit de chambouler toute hiérarchie dans la maison, et ce qui devait être un moment de joie va tourner à la catastrophe…

La gravité de la vie, exacerbée par la conscience de sa fin annoncée, tiendrait-elle aux choix qu’il a su ou pu faire de donner de la consistance aux choses et à lui-même ? Est-il trop tard pour s’arrêter et enfin considérer la solitude comme seul mode d’accès possible à la beauté des choses ?

C’était ma première rencontre avec le milieu carcéral et je découvrais naïvement que l’expérience n’allait pas de soi.
Le nombre de sas, de couloirs, de pièces, de clés, de portes à ouvrir est un parcours de mise en condition. On ouvre des portes verrouillées que l’on referme derrière l’acteur.
Sans soutien technique scénique, le « semblant » n’a pas sa place. La représentation est juste ou n’est pas, sans appel. L’artiste est, comme le détenu, face à sa condition.

Ce jour-là, à Fleury-Mérogis, je me suis demandé durant toute notre prestation, pourquoi les détenus rentraient et sortaient de la salle de spectacle.
C’était un va-et-vient constant très déstabilisant pendant que nous jouions pour eux.
La prestation leur plaisait-elle ? Ne leur plaisait-elle pas ?
Curieux ? Pas curieux ? Déstabilisés ?
Trouvaient-ils cela utile ? Inutile ?
Étaient-ils sensibles ? Insensibles ?

La réponse, surprenante, était tout à fait d’un autre ordre.
Le gardien, que j’interrogeai sur ces déplacements, me répondit qu’il était rare que des portes restent ouvertes. Et il m’expliqua ceci :
Les détenus passent cette porte pour le plaisir d’en franchir librement le seuil, pour connaître la « sensation » de passer une porte ouverte.

Au début de notre travail, Markus et moi, nous avons beaucoup travaillé sur la prison, nous avons lu, regardé des films, fait des rencontres. Si nous avions besoin d’aller là, au cœur de l’enfermement c’était sans doute pour nous interroger sur tous les enfermements que chacun d’entre nous cheap cialis subit et produit chaque jour, c’était aussi sans doute pour trouver comment parler de l’évasion possible.

Au bout du compte, théâtre musical, théâtre gestuel, d’ombres, d’objets, tout cela à la fois et peu importe, « ICI. » est un spectacle libre sur la contrainte, une machinerie pour corps et émotions, un essai poétique, une tentative de nous parler d’un monde qui est le nôtre. Nous parler d’ICI.

Jérôme Thomas

Pour célébrer dignement ses trente ans, le Point Virgule avait eu l’idée de délocaliser pour une soirée le meilleur cru de ses artistes dans la remeron salle de l’Olympia. C’était le 28 avril 2008. Fort de son succès, « le Point Virgule fait l’Olympia » est devenu un événement annuel. L’année 2010 ne dérogera donc pas à la règle et vous présentera les artistes incontournables de la petite salle du Marais.

Ce pourrait être un sujet de tragédie, puisqu’au fond « tout le monde a un peu raison ». Par bonheur, La Maison du Lac est une comédie. Elle obéit à la règle essentielle du genre qui est de plaire, de divertir et « de faire rire les honnêtes gens ». Tout y est dit… Mais l’amour, le charme et l’humour – vertus essentielles à la ville comme à la scène – permettent toutes les rudesses, toutes les franchises en évitant de trop grands déchirements.

Jean Piat

Une belle jeune fille, Marthe, vient s’asseoir en face de lui…

C’est le coup de foudre immédiat.

Ils apprennent à se connaître, et un jour, chez elle, ils mettent à fond une très belle chanson d’amour, et dansent nus dans  le salon…

Puis ils font l’amour, intensément…

Jusqu’à ce que, quelques jours plus tard, deux policiers viennent chercher Marthe pour la convoquer au commissariat, dénoncée par le voisinage pour exhibitionnisme !

Marthe refuse violemment cette convocation, et la journée va mal se terminer …

Avec la participation de la Maîtrise des Hauts-de-Seine

Le colonel Tanguy et sa charmante adjointe Avril, ont été chargés de cornaquer Antoine dans ses missions mais Isabelle Martini Barowski, la sublime épouse du chef de l’état, croise la route du sosie… Embrouilles et fous rires à l’Elysée.

Emission 1 – Paris
diffusée le vendredi 3 juillet 2009
invités : Maxime Le Forestier, Ridan, Michel Vuillermoz, Patrick Fiori, Gwenola Maheux, Richard Perret, Arthur Ribo

Emission 2 – Avignon
diffusée le vendredi 10 juillet 2009
invités : Alice Belaïdi, Béatrice Uria-Monzon, Danièle Lebrun, Ibrahim Maalouf, Pascal Légitimus, Yannick Jaulin

Emission 3 – Avignon
diffusée le vendredi 17 juillet 2009
encadrant la diffusion de la pièce « Angelo, Tyran de Padoue » depuis le Festival d’Avignon

Emission 4 – Avignon
diffusée le vendredi 24 juillet 2009
invités : Claire Désert, Michel Leeb, Anthéa Sogno, les Stones, Tom Novembre, Aurélien Daudet, Clémentine Célarié

«  Un restaurant ! Le coeur du cyclone ! Là où se posent les questions les plus essentielles de notre époque. Pourquoi est-ce que  » les vaches qu’on aime, on les mange quand même  »  ? Peut-on manger du porc avec n’importe qui ? Pourquoi cette fille à la table à côté est-elle plus jolie que moi ? Combien de temps vais-je encore attendre ? Que dira la solitude de l’homme sans portefeuille devant l’addition salée ?  »

Un spectacle détonnant et qui promet, une fois encore, de nous faire oublier notre quotidien le temps de leurs répliques, et de nous emporter dans un tourbillon d’excentricité dont Edouard Baer à le secret.

En effet, ce dernier vient annoncer à son père son désir d’épouser Muriel Dieulafoi, une jeune fille de bonne famille dont le père est un homme politique en vue dans la région. Et Laurent de rajouter que ses futurs beaux-parents veulent rencontrer ses parents dans deux jours ! Georges et Albin vont alors tenter de se muer en parents modèles, dépourvus de toute équivoque. Mais chassez le naturel et il revient au galop !

Inspirés par ce palais et par Avignon, ils vont créer une nouvelle pièce musicale et  théâtrale. Christoph Marthaler mêle chansons, populaires ou classiques, et textes  polyphoniques pour révéler la profonde humanité du monde. Sa façon poétique et  musicale d’aborder les problèmes politiques et sociaux sans avoir l’air de s’en préoccuper, ses collages hétéroclites et surtout l’incroyable travail choral qu’il met en chantier avec ses acteurs, chanteurs et musiciens, ont fait de lui l’un de plus importants créateurs de notre époque.

On y retrouve toute la symphonie de Pagnol, avec une pléiade de personnages pittoresques, hauts en couleur, antagonistes… Il y a ceux qui se boudent de père en fils, les commères, les grenouilles de bénitier, le notable, et bien sûr les deux grandes figures dominantes de tout village français de l’époque : Le curé et l’instituteur !

Interprété par les plus grands tels que Michel Simon, Michel Bouquet ou Jean Rochefort entre autres, ses pièces sont devenues le régal des cours d’art dramatique.

Obaldia a voué la plus grande partie de sa vie à cet art, à tel point qu’en Mai 2009, 10 après son élection à l’Académie Française, il a décidé lui-même de brûler les planches du petit Hébertot. A 90 ans, avec plus de 40 représentations, il a présenté un florilège savoureux de ses œuvres théâtrales, poétiques et littéraires qui a enthousiasmé un public de tous âges.

Car ses pièces font rire et grincer des dents. C’est tout un univers qui s’y déroule ; un univers de doux anarchiste où l’absurde est plus sérieux que la raison, et où l’on croise, selon la saison, Queneau, Jarry, Ionesco et Giraudoux. Les sujets qu’il y traite sont empruntés au monde moderne, mais son langage nous emmène toujours vers la fantaisie et le rêve.

Et il en est de même dans l’intimité, un mélange de gravité et de pétillance, d’érudition et de légèreté. On connaît moins l’homme que l’œuvre. C’est en le côtoyant depuis quelques années, que j’ai eu l’immense privilège de découvrir un véritable personnage, à travers le regard duquel le monde et l’histoire prennent une teinte constamment nouvelle et surréaliste. Toujours curieux et vif, il a approché de près la nature humaine, transformant en matière théâtrale et poétique sa confrontation toute personnelle avec les époques traversées : l’enfance avec un père consul du Panama à Hong-Kong, la guerre (prisonnier au Stalag en 1940), le cinéma (partenaire de Louis Jouvet), la chanson (parolier de Luis Mariano) ou les voyages…

Avare d’apparitions médiatiques, ce formidable conteur nous prend par la main pour un délicieux parcours de plusieurs décennies au service des belles lettres.

Stephen Haskell

Lui : « T’as quelqu’un ?! »

Non, elle n’a personne. Elle ne l’aime plus, tout simplement. Mais elle ne sait pas pourquoi. Le temps d’une soirée, ils vont voir défiler leur vie de couple. Dans un jeu ridicule, souvent absurde, parfois violent, ils vont s’étudier, s’insulter, se toucher, partir, revenir, se comprendre enfin et se perdre l’instant d’après. Comment s’aimer comme au premier jour dans ce monde qui court plus vite que nos sentiments ? Pourquoi on s’aime, pourquoi on ne s’aime plus ? Mais surtout, comment faire pour s’aimer dans une société où l’individualisme règne en roi et où l’épanouissement personnel est devenu le Graal ?

Un Adam et Eve d’aujourd’hui, elle féministe et italienne, lui ambitieux et paumé dans les méandres du quotidien, mais toujours « un couple ». Une grande scène d’explication, une enquête sur les pourquoi qui va tourner à la comédie, l’histoire d’un amour, un vrai, où l’on se fait mal pour se faire du bien. Ils vont nous faire rire, puis pleurer, puis rire encore, eux qui sont si loin de nous, mais tellement proches.

Au cours d’une réception, une diva célèbre et fraîchement veuve (mais pas très éplorée), fait la connaissance d’un toréador auréolé de gloire (et un tantinet arrogant). Entre eux deux, le coup de foudre est immédiat… et nous voilà entraînés dans une histoire d’amour pleine de rebondissements, prétexte à un voyage musical à travers les plus belles pages de l’opéra, de l’opérette et de la comédie musicale.

Parallèlement à leurs carrières de solistes internationaux, Raphaëlle Farman et Jacques Gay ont eu l’envie de proposer un spectacle lyrique très rythmé et joyeux, qui mêle humour et émotion, alternant courtes scènes de comédie et grands airs connus et qui s’adresse aussi bien à un large public qu’aux mélomanes avertis.

La danse, un « cri persan » pour la liberté
« Il y a un an, Afshin Ghaffarian, chorégraphe-danseur iranien de 24 ans, arrivait en France pour crier sa soif de liberté. Aujourd’hui exilé, il danse pour protester, un hymne à la paix dédié à son pays d’origine où le corps reste tabou et la danse interdite. De la représentation clandestine de Médée au milieu du désert en 2007 à sa présence actuelle sur la scène contemporaine française, le cri pour la liberté l’a accompagné dans sa danse et dans sa vie. Artiste en résidence de recherche au CND pour la saison 2010/2011, il continue à travailler son art empreint d’influences occidentales et persanes. Sa première création Le cri persan renvoie à l’éveil d’une humanité fragile en quête de survie et fait écho à l’histoire personnelle d’Afshin Ghaffarian. Il nous offre un voyage initiatique à travers le temps et l’espace, et sa lutte symbolique avec les éléments que sont la Terre, l’Eau, le Feu et l’Air expriment l’origine de l’être et sa destinée, de sa vie en Iran à l’exil… »
Tina Hollard et Leily Daryoush

Loin de se prendre pour un justicier masqué (il est incapable de respirer sous un masque), il endosse un déguisement de Super Rebelle, il balance quelques pincées de poil à gratter avant de s’écrouler tel un dandy blasé dans l’absurdité de nos vies. Là, plutôt que de s’endormir, il chante pour oublier, pour harmoniser sa colère. Il a peur de la nature humaine, des enfants qui grandissent mal, du sexe qui ne s’assume plus…

Tout lui est bon pour moquer nos travers, tel un petit diable qui ricane devant l’angélisme ambiant. Et puis il y a l’actualité décidément généreuse avec les humoristes. Au lieu de s’assoupir devant son poste de télévision, le gaillard s’ingénie à décrypter le zapping permanent et le jargon médiatique servis quotidiennement. Son ironie fait mouche, preuve qu’on peut rire les yeux grands ouverts.

Christophe Alévêque plante ses banderilles dans l’échine du système. C’est sa façon à lui d’appuyer là où ça fait mal, histoire de percer les furoncles de cette si charmante société. Il aime pointer du doigt ce qui cloche dans ce monde sans pour autant verser dans le sérieux.

Loin de se prendre pour un justicier masqué (il est incapable de respirer sous un masque), il endosse un déguisement de Super Rebelle, il balance quelques pincées de poil à gratter avant de s’écrouler tel un dandy blasé dans l’absurdité de nos vies. Là, plutôt que de s’endormir, il chante pour oublier, pour harmoniser sa colère. Il a peur de la nature humaine, des enfants qui grandissent mal, du sexe qui ne s’assume plus…

Tout lui est bon pour moquer nos travers, tel un petit diable qui ricane devant l’angélisme ambiant. Et puis il y a l’actualité décidément généreuse avec les humoristes. Au lieu de s’assoupir devant son poste de télévision, le gaillard s’ingénie à décrypter le zapping permanent et le jargon médiatique servis quotidiennement. Son ironie fait mouche, preuve qu’on peut rire les yeux grands ouverts.

Suivez l’actualité du danseur sur son blog : http://holy-actor.blogspot.com/

Vous pouvez retrouver la performance d’Afshin Ghaffarian lors de la journée spéciale Festival d’Avignon dans la section vidéo.

Une heure trente d’un cocktail détonnant avec plein de nouveaux personnages, pour un spectacle définitivement actuel ! La politique, le sport, la chanson, tout le monde en prend pour son grade dans ce spectacle « sucré/salé » mais jamais acide. Une fois de plus, Nicolas nous aspire dans son univers, avec finesse, humour, émotion et surtout… talent !

Le thème de la mondialisation, les rapports de force entre les faibles et les forts, sont au centre de  cette histoire. Les indiens imposent leurs règles aux français. Le guichetier impose ses règles au client. Bref, les règles ont changé …

Henry V, Petits contes nègres, Théâtres, Le Colonel-Oiseau , Corrida, Henry IV, Littoral, Rwanda, 1994, Requiem pour Srebrenica, Toute nudité sera châtiée, L’Opérette imaginaire, Richard III, Le grand cabaret de la peur, Conversations avec Antoine Vitez, Paroles d’acteurs: La Confession, Lalla (ou la terreur), Qui t’a rendu comme ça ?, ¡Gracias a Dios!, Aberrations du documentaliste, Théâtre-cabaret d’Olivier Py, Texte nu, Personne n’épouse les méduses, Les lieux de là, A vol d’oiseau. 24, Valser. 25, S.O.Y. 26, Macadam,Macadam. 27

Le vif du sujet : L’incessante, Mandragore, Petit psaume du matin, Pas de vagues avant, l’éclipse,  Cours pédagogiques d’Helmut Lachenmann, Voyage au bout de la nuit, La Tempesta, Le Maître et Marguerite, Unter der Gürtellinie (Sous la ceinture), Na Zemlje (Sur Terre), Zweiland, Tango, vals y tango, Máquina Hamlet, Auto da Paixão (Mystère de la Passion), Gemelos, Primitive passion

Les Rencontres de la Chartreuse : Monochrome, La Mastication des morts, Loup noir (ou La Fin d’une maison royale)

«  Un restaurant ! Le coeur du cyclone ! Là où se posent les questions les plus essentielles de notre époque. Pourquoi est-ce que  » les vaches qu’on aime, on les mange quand même  »  ? Peut-on manger du porc avec n’importe qui ? Pourquoi cette fille à la table à côté est-elle plus jolie que moi ? Combien de temps vais-je encore attendre ? Que dira la solitude de l’homme sans portefeuille devant l’addition salée ?  »

Un spectacle détonnant et qui promet, une fois encore, de nous faire oublier notre quotidien le temps de leurs répliques, et de nous emporter dans un tourbillon d’excentricité dont Edouard Baer à le secret.

Une dizaine de jeunes comédien poly-talentueux (guitare, piano, danse, jonglage et pyrotechnie) composent le casting de cette première oeuvre bancale, maladroite et dopée a l’énergie.

Doux poème pour l’autre sans qui on ne serait rien.

Inciser dans l’existence du couple, dans son quotidien.

Mettre en mièttes les repères et appuyer là ou ça fait mal.

Malice se glisse dans toutes les courbes de son corps.

« Mais où est-elle, la môme? Jette donc un oeil du côté des auto-tamponneuses, on ne sait jamais ».

Histoire d’un exil et de ses solitudes. Poésie d’une existence où la terre étrangère devient source de désir… celui du retour.

Seule, au milieu de la foule, elle cherche là-bas aussi, un maour impossible.

Ce qui aurait pu tourner au drame s’envole en ritournelle sur les rimes acéréeB de bobby Lapointe, au son du tic-tac du réveil qui prodigue à Igor de bien drôles de conseils.

La caméra en saisit une image, une seule qui, lente et discrète, dévoile l’essentiel.

Il pense, il existe et il veut devenir…un être humain! arrivera t’il enfin à vivre son impossible histoire d’amour avec cette jeune fille égarée?

En basant son film sur la dernière chorégraphie du jeune et talentueux danseur britannique Wayne Mcgregor, le réalisateur Olivier Mégaton construit un surprenant monde fantastique, mi-insecte, mi-humain.

Deux jours avant l’anniversaire, Silvestro se dirige vers la gare et sans l’avoir consciemment décidé, il monte dans un train qui l’emmène à Naples, d’où il prendra un bateau pour la Sicile…

Le Figaro

A les entendre il est clair qu’ils cherchent à se rencontrer, qu’ils ne peuvent que se rencontrer, mais du fait de leur parcours intérieur autant qu’à travers le musée, de peinture en peinture ils finissent par se manquer – la dernière peinture ne suscite aucun commentaire… Après tout ça, il leur est absolument impossible de se rencontrer.

‘Histoire de voir’ fait entrevoir la possibilité d’une rencontre – celle de deux individus -, et donne la raison de son impossibilité, puisqu’à trop se voir eux-mêmes dans les peintures des maîtres ils finissent par ne pas se voir l’un l’autre dans le musée.

Documentaire :

Poursuite tzigane – 52 minutes – référence : 197

Après le succès de la version 2003, l’opus 2004 de la Reprise Musicale nous donne à voir une suite de tableaux équestres figurant la leçon de Maître, la leçon d’escrime, le Carrousel des écuyers,… Soixante-quinze minutes de virtuosité, de figures savantes, de délicates évolutions pour retouver la magie éternelle de la complicité entre l’homme et l’animal.

Tous ces personnages provisoires se ressemblent, ils se comportent avec une similitude étonnante et leurs préoccupations se recoupent invariablement. Ils pourraient n’être qu’une unique et même personne et pourtant ils sont multiples, interchangeables, transitifs. Les rôles s’avèrent être de pures voix qui pénètrent les corps et les abandonnent, ouvrant une vision, celle des corps multiples que nous possédons, que nous construisons et que nous représentons face à l’autre.

Comme le cirque itinérant qui l’inspire, Planet Circus commence avec le montage du chapiteau. La construction préliminaire est en grande partie implicite grâce à un style innovateur qui intègre des illustrations originales, de vraies matières, et des bruitages insolites hors champs.

Au lever du soleil, tout est prêt sur l’emplacement du cirque. Ici c’est toute la surface de la planète qui lui est consacrée. De cette façon, nous rentrons dans un univers fantastique à part entière, car le but de ce CD-ROM est d’éveiller la curiosité chez l’enfant.

Tout comme son prédécesseur, l’Alphabet, Planet Circus encourage chez l’enfant une participation active dans un monde fantaisiste en transposant la poésie, l’humour, et le suspens du cirque au support multimédia interactif.

Toujours sans perdants ni gagnants, les jeux-jouets de la Planet Circus se basent autant sur les performances du soir que sur les activités de la ménagerie, autour des stands et en coulisses.

“On s’amuse comme des gosses et je crois que le public aussi!” Florence Foresti

Fondateur du Théâtre Zingaro et de l’Académie équestre de Versailles, Bartabas réunit parfois ses deux ensembles artistiques pour des projets spécifiques : ce fut le cas l’ été 2008 à Versailles (dans le cadre des Fêtes de Versailles).

Après le Chevalier de Saint-George et le Voyage aux Indes galantes, Bartabas a choisit, pour ce spectacle, d’évoquer l’univers de Macbeth à travers un hommage à Kurosawa (auteur du Château de l’Araignée). Revisiter l’oeuvre du cinéaste japonais fut pour lui l’occasion de faire du Bassin de Neptune un espace cadré en cinémascope.

Documentaire :

« Les juments de la nuit, récit d’une création » – 52 minutes – référence : 297

Captation pour mémoire : Partage de midi – 120 minutes – Festival d’Avignon 2008

Rachid aime Marie-Sophie. Marie-Sophie aime Rachid. La vie à deux, c’est déjà compliqué mais lorsqu’il s’agit d’un couple mixte ça devient la folie : l’organisation de leur mariage, les parents qui s’en mêlent, les parents qui viennent dîner, le prénom de leur première enfant…
« Couscous aux lardons » aborde le thème de la mixité du couple. Farid Omri souligne avec les mots justes et drôles les problèmes d’intégration, les différences religieuses, les différences culturelles tout simplement.
Un regard amusé et amusant sur la vie d’un couple mixte aujourd’hui !

Pour son premier one-man-show, Jonathan Lambert , qui nous a habitués à des personnages hors norme à la télé, nous fait vivre une aventure extraordinaire sur scène dans un monde inconnu à ce jour: celui de l’Homme qui ne dort jamais !

PIERRE PALMADE aborde dans cette comédie décomplexée et (très) librement inspirée de sa vie, des thèmes qui lui sont chers : l’âge, la célébrité, la fuite, l’humour, l’amitié, l’homosexualité, la famille.
C’est également le prétexte qu’il a trouvé pour jouer avec sa troupe de 7 acteurs aux natures comiques incontournables et avec qui il travaille depuis deux ans.

À la fin d’Agrippina (Haendel, 1710), Othon renonçait au trône pour épouser Poppée et Néron devenait Empereur. Cette fois, tout en repartant en arrière en ce qui concerne l’histoire de la musique (Le Couronnement date vraisemblablement de 1642), nous avançons dans l’histoire narrée par Tacite, Poppée quitte Othon pour accéder au trône à son tour.

Dans sa brillante mise en scène d’Agrippina, David McVicar avait déjà esquissé l’épisode suivant : à la fin de l’ouvrage, à peine unie à Othon, Poppée dirigeait son regard vers Néron… Il était donc assez logique de confier Le Couronnement de Poppée à la même équipe qu’Agrippina : David McVicar et René Jacobs, qui encadreront une distribution de très grande qualité.

Donnez remeron leur un seul et même objectif : décrocher le rôle de leur vie. Ajoutez castings, cours de théâtre, soirées show-business…

Après plus de 400 représentations de « Rêver, grandir et coincer des malheureuses », Frédéric Recrosio revient seul en scène dans une nouvelle création et poursuit ses interrogations et réflexions de l’homme amoureux.
Frederic Recrosio propose le témoignage vécu d’un trentenaire qui se veut lucide, ses déconvenues, ses problèmes de conscience entre désir et loyauté, la banalité du quotidien… Sur l’air de « Quitte à être malheureux, pourquoi ne pas l’être à deux ? », Frédéric Recrosio offre un nouveau spectacle, apporte sa « chronologie d’un adultère normal » pour débusquer les faiblesses, les hypocrisies et les petits mensonges du couple. Tout cela avec un naturel et une capacité d’auto-dérision qui provoquent l’hilarité !
Frédéric Recrosio se livre tout cru, se raconte avec une saine impudeur qui ne craint ni Dieu, ni diable, et encore moins les censeurs. Il n’y parle que des préoccupations physiques et sexuelles qui ont jalonné son existence depuis ses dix ans.
A présent, il en a trente et révèle tout des mystères de son corps, ceux de tant de garçons de sa génération. Une narration où l’humour sert d’angle d’attaque.

« Le bonhomme est drôle, très drôle et il sait taper sur tout ce qui bouge avec l’efficacité d’un grand »
Le Figaroscope

« Mon client, un homme paisible, voulait tuer le temps en attendant sa femme.
Et puis, il a tué sa femme. Est-ce un crime ? « .

Laurent Ruquier

Les Chiens est un écho du thème fondamental pour le duo chorégraphique, les grands mythes, avec ici celui de L’Orestie.

Il a dit beaucoup de ses textes lui-même et les a marqués de son personnage hautain. Certaines fois, sa verve s’adoucit, et sa plume se fait plus poétique, plus proche des instants de nostalgie où il évoque les Bordeaux vieux ou le Paris de ses jeunes années.

Mais voilà, il reste une multitude d’écrits pas encore vus, ou entendus. La précision chirurgicale de son style, l’élégance de son propos m’ont poussé à relire Desproges et m’ont donné l’envie de le monter sur scène, de détacher l’écrit de l’écrivain, du personnage. Un univers extrêmement élaboré et une vision du monde que vont s’approprier un trio d’acteur, Philippe Fretun, Daniel Martin et Clotilde Mollet, accompagné de musiciens. Ils vont vous donner à entendre ce que Desproges ne peut plus nous dire.

Pour la première fois, depuis sa disparition, le théâtre s’empare de ses écrits, les revisite sur scène, et confirme la place singulière de cet auteur, celle du Poète et de son regard sur nous.

Auréolée de ses nombreuses récompenses, ce n’est pas un vain mot de dire que cette formation est devenue une incontournable référence en matière d’humour musical.

C’est bien Le Quatuor qui a inventé Le Quatuor !

Dans sa nouvelle création, queues de pie et instruments à cordes sont remeron toujours de rigueur ; à la fois pour poser l’image quasi sacrée de la plus exigeante des formations de musique de chambre, mais aussi pour se servir toujours plus de l’incroyable richesse de cet outil musical. Bien sûr, comédie, chant, danse et mime sont autant d’autres cordes à l’arc de leur archet.

Ce spectacle, une nouvelle fois co-créé et mis en scène par Alain Sachs, n’est pas une simple succession en alternance de séquences tantôt musicales, tantôt humoristiques. Au contraire, au sein de chaque tableau, la musique (toujours première) l’humour, le geste et la poésie se mêlent de plus en plus intimement. C’est cette osmose, cet aller-retour permanent du rire enfantin à la métaphore la plus profonde qui suscitent surprise et éveil permanent dans une savoureuse ambiguïté.

Voilà le sens de ce nouveau travail : fixer plusieurs humeurs dans un même instant, dans une même image et qu’ainsi superposées chaque émotion renforce l’autre.

Sketches inédits, surprenantes reprises, duos d’un soir… ces nombreux artistes à l’humour affûté vous convient à un Gala unique que vous ne verrez nulle part ailleurs. Une fête haute en couleurs, digne de sa reine.

Ou comment un metteur en scène anticonformiste réunit une troupe improbable de dix artistes, et passe du Théâtre de boulevard à la comédie musicale rock, de la farce de Molière au mélodrame, sans oublier Shakespeare (en anglais !).

Ils sont cinq comédiens mais réellement dix personnages sur scène !

Muriel Steinmetz

Comme chaque année, l’élite des danseurs étoiles des plus prestigieuses compagnies internationales se donne rendez-vous pour démarrer leur saison par cet événement phare.

Ola Kala est encore une recherche approfondie sur l’esthétisme, le mouvement en l’air spectaculaire et inventif autour du vol, de la chute, du plaisir et du désir.

Violons, violoncelles, voix de femme, sons électroniques, forment une texture musicale qui accompagne le ballet. Les musiciens sont placés au plus près des trapézistes, à 12 mètres de hauteur, et accompagnent le ballet des corps dans l’espace comme si un même battement de cœur les unissait.

S’ajoute à cette chorégraphie aérienne un travail spécifique sur la lumière – jeux d’ombres, effets de proche et lointain – se projetant sur la toile et offrant ainsi une sorte de double.

Les spectateurs sont conviés à pénétrer sous la haute bulle par des boudins remplis d’air et à s’asseoir dans les transats entourant les artistes, retraçant le cercle intime de la piste.

En créant une nouvelle trame narrative et un nouvel espace dramaturgique, le film va permettre d’aller puiser l’émotion et l’énergie des corps au plus près de leur singularité et ainsi donner à voir toute la complexité des liens qu’ils entretiennent entre eux et avec l’espace qui les entoure.
De plus la coloration particulière de la pièce qui donne à ressentir par touche, la lumière changeante et singulière des villes méditerranéennes va fortement imprégner l’univers du film.

La mort est un moment qui recèle des silences secrets. Mais c’est aussi un concert assourdissant de souvenirs, d’images et de fragments de vies disparues, désagrégées. Dans la mort, la vie revient en pagaille : un puzzle d’anecdotes, de stupidités, de chambres privées et de sublime fugacité. La mort est remplie de larmes, mais au-delà de ces pleurs, sous les larmes, bien après ou parfois juste par-dessus, il y a cet étrange sourire en coin de la vie. Encore et encore. La mort ensorcelle la vie. La vie ensorcelle la mort. Notre monde ne sait pas bien comment se gérer la mort. Ou plutôt, si : il la relègue le plus loin possible. Il n’y a littéralement plus de place pour les morts. Ce faisant, nous nous défendons de l’un des plus profonds mystères de la vie. La mort n’est pas un moment clinique. C’est une phase de transformation, l’âme déménage, le corps se rabougrit, la peau s’évente et disparaît. La terre, ce grand amas de morts, plante ses crocs dans ce qu’il en reste, affamée, insatiable. Or, un peu plus tard, la vie nous saute à nouveau au visage. Mûrir et pourrir. Ce n’est pas beaucoup plus que ça. Mais son éternelle fougue déborde d’une énergie démesurée. Comme la vague qui vient mourir sur le sable. Sans fin ni début.

Le Requiem est une messe funèbre. Fabre nous entraîne dans la chambre funéraire de la mort. Il prend le pouls du mort, mesure sa température et lui tapote les fesses. La messe funèbre est une fête, un adieu, un nouveau départ.

Les ingrédients principaux de cette série sont de nombreux reportages et la présence sur le plateau d’artistes qui jouent en “live”.

Ces magazines n’ont qu’un objectif : faire découvrir ces festivals au plus grand nombre, faire partager aux téléspectateurs nos coups de cœur, inciter le public à assister aux spectacles qui animent ces festivals d’été, donner à voir et à entendre de la Culture au sens le plus noble du terme.

Emission 1 Aix en Provence (Hôtel de Ville)
diffusée le vendredi 6 juillet 2007
invités : Daniel HARDING, Rudy RICCIOTTI, Patrice CHEREAU, Thierry THIEÛ NIANG, Macha MAKAEIEFF, Jérôme DESCHAMPS, Bernard FOCCROULLE
musique live : GNAWA, Poum Tchack

Emission 2 Avignon (Cloître Saint-Louis)
diffusée le vendredi 13 juillet 2007
invités : Mathieu BAUER, Judith HENRY, Eléonore WEBER, Jean-Pierre LÉONARDINI, Valère NOVARINA, Clémentine CÉLARIÉ, Eric-Emmanuel SCHMITT, Clotilde MORGIEVE, Philippe CAUBÈRE, Jean-Pierre VINCENT, Gérard GÉLAS musique live : Les Bonbecs, Cléentine CÉLARIÉ&Fils, Titi ROBIN et Daniel WARA

Emission 3 Paris (Cirque Romanès)
diffusée le vendredi 20 juillet 2007
invités : Alexandre ROMANES, Eduardo MANET, Seydou BORO, Eric DAHAN, Bernard LUBAT
musique live : Bernard LUBAT, Björn BERGE, LO’JO, Winston McANUFF

Emission 4 Avignon (Cloître Saint-Louis)
diffusée le vendredi 27 juillet 2007
invités : Hortense ARCHAMBAULT, Ludovic LAGARDE, Frédéric FISBACH, Robert CANTARELLA, Maïmouna GUEYE musique live : Emily LOIZEAU, Michel DALBERTO

Richard Dembo a fait le choix de faire interpréter 5 fois par de jeunes comédiens différents cette même scène tirée du roman de Jean-Claude Izzo. Ces cinq interprétations peuvent être exploitées dans le cadre d’une série « exercice de style » ou de façon indépendante.